La Galería es hoy la principal difusora de la fotografía en el mercado local, en un contexto en el que el coleccionismo fotográfico ha disminuido considerablemente. En este escenario, que una galería desafíe las convenciones y apueste por dos fotógrafos de alto nivel —y de disímil experiencia— constituye un mérito que merece subrayarse.

Mariano Zuzunaga

Nacido en Lima en 1953, es una figura central de la fotografía peruana, cuya producción integra historia, poesía y música en un sistema visual que dialoga simultáneamente con la contemporaneidad y con la tradición del arte en sentido amplio.
Radicado en Barcelona desde 1975, ha desarrollado allí una sólida carrera. Ya en 1980 exhibía en la Fundación Miró. Tras su formación —licenciatura y doctorado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona—, su obra ingresó en circuitos institucionales de relevancia internacional, entre ellos el MoMA de Nueva York.

En el Perú, su trabajo se ha difundido principalmente a través de la galería Lucía de la Puente. Ahora, tras casi una década de ausencia, retorna con un conjunto de variaciones —algunas próximas a lo musical— donde se reconocen las huellas de una tradición que, desde los orígenes del medio, ha afirmado la fotografía como campo artístico.

La práctica de Zuzunaga elude el impacto inmediato. Exige sensibilidad y erudición, tanto por la densidad de sus referencias como por su vínculo estructural con el pasado. Cada imagen opera como una revisión contemporánea de momentos significativos de la historia visual.

La muestra reúne tópicos sin una relación evidente, pero articulados por una mirada autoral consistente. Esta heterogeneidad —que incluye obras en color y en blanco y negro— configura una cartografía del trabajo desarrollado desde 2014 y permite seguir las variaciones de sus intereses en la última década.

Las imágenes más antiguas, centradas en la arquitectura de Manhattan, pueden remitir a Gursky; sin embargo, cuando Zuzunaga las somete a procesos de deconstrucción o incorpora el movimiento como procedimiento, adquieren mayor complejidad.

En este punto emergen afinidades con la Bauhaus (Moholy-Nagy), así como con David Hockney y Thomas Kellner. Se trata de una línea que prolonga la tradición de la fragmentación urbana, expandiendo la fotografía hacia el collage digital. A ellas se suman imágenes urbanas —asfalto, veredas, tapas metálicas, sombras, etc.— en las que prima el hallazgo y que de una extraña manera dialogan con el cine de Dziga Vertov al incorporar lo banal como materia estética.

La serie de los árboles resulta particularmente notable. Se inscribe en la tradición norteamericana —de Ansel Adams a Minor White y Aaron Siskind—, donde la naturaleza es abordada desde una dimensión gráfica. Aquí, las ramas funcionan como trazos que recorren la superficie, desplegándose en un sistema de líneas que oscila entre lo orgánico y lo estructural.
La serie dedicada a la luz sobre el agua es, quizá, la más lograda del conjunto.

En ella se condensa con mayor claridad su poética: la reducción de la imagen a sus condiciones esenciales hasta situarla en un umbral cercano a lo espiritual. Los patrones de luz, producto de la reflexión y refracción sobre superficies irregulares, —lo que en física se denomina caústica [sic]— generan una abstracción óptica en la que la materia tiende a disolverse.

Aquí desaparece toda referencia espacial. La imagen se sitúa en el límite de lo inmaterial y establece un diálogo con maestros como Harry Callahan, quien exploró la abstracción moderna a partir del agua y sus variaciones lumínicas.
La exposición de Zuzunaga es una indispensable experiencia visual de la cual todo espectador saldrá enriquecido.

Rafaela Maggiolo

Tiene una maestría en Arte, Arquitectura y Ciudad por la Universitat Politècnica de Catalunya y una licenciatura en Historia del Arte por la Pontificia Universidad Católica del Perú.

Comparte el espacio de La Galería con Mariano Zuzunaga. Las experiencias son distintas, pero hay entre ellos más de lo que sugieren sus fotos sepia. Sus preocupaciones coinciden en ciertos ejes: la calle, la construcción, la vivienda, abordados desde una sensibilidad distinta. Incluso en las imágenes más ásperas, la sutileza persiste.

El paralelo entre ambos permite advertir, en primer lugar, una diferencia de escala: el formato menor de Maggiolo funciona como una ventana íntima. Si Zuzunaga se expande hacia el exterior en busca de formas y tramas, la obra de Maggiolo se repliega hacia el interior, con una vocación minimalista que le permite construir efectos lumínicos y articular ángulos arquitectónicos indisociables de su propuesta.

En muchas de sus piezas, reduce lo construido a un grado extremo para inundarlo de claridad, interviniendo el espacio hasta diluirlo en sugerencias. Esta operación conduce a una economía radical de las formas y a un uso riguroso del vacío, donde la luz no solo aparece, sino que estructura la imagen.

Es en el montaje donde la apreciación del conjunto revela el núcleo espiritual de su trabajo. A diferencia de Zuzunaga, sus fotografías de interiores no capturan. En ellas la materia se vuelve sugerencia y la imagen se sitúa en un campo donde la percepción se vuelve activa.

En ese sentido, la obra más personal de Maggiolo no representa un espacio: construye una experiencia donde luz y el vacío no solo se imponen como protagonistas, sino que definen el campo mismo de la imagen. Allí, la fotografía deja de ser registro: Es ese umbral donde todo lo visible se disuelve.

Escribe: Luis E. lama