Para Joan Alfaro, pintar comenzó como una manera de interpretar el mundo que tenía alrededor. En Cajamarca encontró sus primeras referencias en el carnaval, las costumbres y las expresiones folclóricas de su tierra. Veinticinco años después, aquella mirada inicial ha recorrido distintas regiones del Perú y ahora llega hasta Roma con Sesión Neón Andina, una exposición que reúne parte de su propuesta artística y que permanecerá hasta el 24 de octubre.
El artista reconoce que su obra ha atravesado distintas etapas, desde el paisajismo y el costumbrismo hasta el surrealismo que hoy define buena parte de su trabajo. En el camino aparecieron los rostros femeninos de grandes ojos que se convirtieron en uno de sus sellos, pero también una búsqueda constante alrededor del color. Para Alfaro, más que una técnica o un personaje, es precisamente el color el elemento que atraviesa su pintura.
Llevar tu obra hasta Roma representa un cambio importante de escenario. ¿Qué significa para ti sacar tu trabajo de tu entorno y mostrarlo en una ciudad como Roma?
Ha sido bonito. Para cualquier artista salir del confort o de la costumbre de exponer en su tierra es importante. Roma, además, tiene un movimiento turístico potentísimo durante todo el año y eso representa una vitrina enorme para mostrar el trabajo y darse a conocer.
También es importante que la invitación venga de la Embajada. Para mí es grato poder difundir el arte y, sobre todo, llevar un trabajo que tiene que ver con la identidad peruana. Lo que hago es mostrar esa identidad a través de mi arte y llevarla a lugares como Roma también me llena de orgullo.
La exposición permanecerá hasta el 24 de octubre. ¿Cómo fue todo el proceso para hacer posible una muestra de estas características?
La logística la realiza la Embajada. Primero se invita al artista y se coordinan las fechas. Esto se pactó hace aproximadamente un año y, después, comienza toda una logística: definir la sala, el lugar, las dimensiones, la curaduría, cuántos cuadros puedes llevar y cuánto puedes producir para la muestra.
Es un trabajo que prácticamente abarca un año. La inauguración ya se realizó y la muestra se queda hasta el 24 de octubre. Incluso estamos pensando en traer un extracto de esa exposición a Lima para mostrar lo que se vio allá.
Tu relación con el arte comenzó en Cajamarca. ¿Qué elementos de esa tierra terminaron entrando en tu pintura?
Yo tengo 25 años con el arte. Salí del colegio y prácticamente me puse a pintar. Viví en una zona donde el tema cultural está muy presente. En Cajamarca tienes el carnaval, las costumbres, los danzantes y todo ese universo folclórico. Para mí era natural interpretar lo que vivía.
Con el tiempo empecé a ampliar esa mirada. Pasé de Cajamarca a Cusco, Huancayo, Ayacucho, Puno y otros lugares. Me di cuenta de que había una diversidad enorme de culturas y empecé a utilizar elementos de todo el Perú. Eso me permitió identificarme más con una idea global de lo andino, no solamente con Cajamarca.
Ese recorrido también cambió la manera en que entiendes tu propia identidad artística.
Sí. Al principio estaba muy enfocado en Cajamarca, pero después entendí que podía abarcar mucho más. Eso también hizo que mi trabajo llegara a otros sectores. Empecé a tener llamadas de Lima, de empresarios que invertían en arte, y fui encontrando un espacio a través de la identidad peruana.
Foto: Hector Bartra.
Uno de los elementos más reconocibles de tu trabajo son las mujeres de ojos grandes. ¿Cómo nace esa búsqueda?
Fue principalmente un tema estético. Mi trabajo pasó por distintas evoluciones: paisajismo, abstracto, costumbrismo. En algún momento empecé a hacer retratos de mujeres con ojos grandes y eso tuvo mucha visibilidad.
Me gustaba mucho el manga y el tema figurativo. También veía que la figura femenina encajaba con el surrealismo que estaba buscando. En Cajamarca existe un tipo de mujer de ojos claros que no había sido muy explorado desde la pintura, y cuando empecé a trabajar con eso descubrí que funcionaba muy bien.
Después comencé a llevar esas figuras a diferentes lugares del Perú. Así fueron evolucionando conmigo y también con la demanda del arte.
Pero si tuvieras que definir tu obra más allá de esos personajes, ¿qué elemento sería indispensable?
El color. Mi arte se define como surrealismo, pero creo que también se puede definir por el color. Soy una persona muy colorista. Puedo trabajar cualquier técnica, pero siempre voy a concentrarme en el color.
Trabajo de manera muy instintiva. No pienso necesariamente en seguir todas las reglas de los colores primarios o complementarios. Me interesa fusionarlos y ver cómo el neón puede dialogar con el óleo, aunque técnicamente sean materiales diferentes.
Justamente el nombre “Sesión Neón Andina” parece resumir buena parte de esa búsqueda. ¿Qué relación encuentras entre el neón y lo andino?
El color neón está muy presente en mi trabajo, por eso el título era bastante natural. Además, en la composición andina también encuentras colores muy fuertes. En la selva, en la costa y en los Andes hay colores intensos, casi como un color chicha, que también utilizo en mi pintura.
Fue un complemento bonito para la exposición porque une algo que ya forma parte de mi lenguaje con elementos que también están presentes en nuestra cultura.
Tu formación, además, fue principalmente autodidacta. ¿Cómo fue encontrar tu propio camino sin tener una estructura académica que te guiara?
Al comienzo entré a una escuela de arte en Cajamarca, pero no estaba completamente convencido. Yo quería pintar y el proceso de pasar por materias y clases me resultaba frustrante. Era una persona muy hiperactiva y necesitaba experimentar.
Entonces me volví autodidacta. Mi papá me regaló un libro de Van Gogh y ese fue uno de mis primeros grandes contactos con un pintor. Me impactó mucho su uso del color. Empecé a estudiar su trabajo y a aplicar el puntillismo en paisajes cajamarquinos.
Después llegaron Picasso, Modigliani y Gustav Klimt. Primero intentaba hacer las cosas como ellos, pero con el tiempo entendí que tenía que encontrarme conmigo mismo. Esa evolución continúa hasta hoy.
¿En algún momento sentiste que dedicarte al arte podía no ser una opción viable?
Sí, sobre todo porque venía de Cajamarca. En los años en que empecé era difícil pensar que alguien podía vivir del arte en provincia. Incluso los padres suelen decirte que estudies una carrera que te garantice un trabajo y un futuro.
En Cajamarca tampoco había un mercado artístico como el que existe ahora. No teníamos muchas galerías y para conseguir un espacio tenías que tocar puertas en municipalidades o instituciones. Yo tuve que buscarme solo, encontrar vitrinas y aprender poco a poco cómo funcionaba también el mercado.
Hoy vives del arte y has trabajado incluso con marcas. ¿En qué momento sentiste que la pintura podía convertirse realmente en una forma de vida?
Fue algo que descubrí poco a poco. Yo no empecé pensando en vender ni en buscar dinero. Me concentré en pintar y en mejorar. Mientras hacía eso aparecieron salas, marcas, empresarios, representantes.
Ahora no tengo otro negocio: vivo del arte. En Lima tengo representación, hay merchandising, páginas web, trabajo con marcas y también aparecen invitaciones como la de Roma. Todo eso sucede porque me dedico a pintar.
Has visto también una evolución en el mercado artístico peruano. ¿Qué ha cambiado desde que comenzaste?
He visto una evolución muy grande, para alguien que vivía en provincia, pensar que podía vivir del arte era casi un sueño. Ahora veo artistas contemporáneos que han crecido, tienen galerías y encuentran un público.
También veo que las personas invierten más en arte. He trabajado con marcas grandes y con el Estado, y siento que existe más movimiento. Hay posibilidades, pero también depende mucho de que el artista se mueva, genere relaciones e invierta en su propio trabajo.
Después de 25 años, ¿qué consejo le darías a un joven que quiere dedicarse a la pintura pero todavía duda de si puede vivir de ella?
Que sea constante. Si te gusta la pintura, pinta y pinta bastante. Yo tengo 25 años pintando y tampoco siento que ya lo hice; siento que todavía estoy en el camino.
Pintando descubrí salas, marcas, empresarios y representantes. No los estaba buscando directamente. Me concentré en trabajar, en madurar y las cosas aparecieron. La continuidad te puede dar muchísimos resultados en algún momento.
Ahora que una parte de ese camino llega hasta Roma, ¿qué representa para ti mirar hacia atrás y ver desde dónde comenzó todo?
Se vuelve muy grato. Yo vivo el arte. Todo lo que ha sucedido viene de dedicarme a pintar y de haber seguido adelante durante todos estos años.
Hoy puedo llevar mi trabajo a Roma, trabajar con marcas y encontrar distintas maneras de utilizar el arte. Pero la matriz sigue siendo la pintura. Y mientras tenga algo que seguir explorando, voy a continuar por ahí.