La noche del jueves, una empresa de telefonía reunió a figuras del medio local en una discoteca de San Isidro para presentar su nueva generación de smartphones. Con acabados inusuales como madera o Alcantara, y funciones impulsadas por inteligencia artificial, los dispositivos buscan replantear la relación entre diseño, tecnología y experiencia de usuario. Entre los asistentes, se comentó la apuesta por una estética más sensorial y menos convencional.
La plataforma +51 Platform inauguró ERÓTICO en Más Arte Galería, una muestra colectiva que reúne a más de veinte fotógrafos del Perú y el extranjero para explorar el cuerpo y el deseo desde el arte. Sin caer en clichés ni en morbo, la exposición invita a repensar la sensualidad con honestidad y pluralidad. Va hasta el 28 de junio en Mariano Odicio 282, Miraflores. Conversatorios y visitas guiadas acompañan la experiencia.
El pasado 8 de mayo, Cenco La Molina fue escenario del evento Mom Red Carpet, una experiencia organizada por Magnata que reunió moda, asesoría de imagen y cuidado personal en un ambiente íntimo y elegante. Con música en vivo y aliados como Nikon, Ricadona, Alter Ego y Uriage Paris, las asistentes disfrutaron de una tarde de estilo y conexión femenina.
Hay padres que enseñan con palabras, y otros que lo hacen desde el ejemplo silencioso: en una mesa servida, en una ola compartida o en un abrazo que no necesita motivo. En tiempos donde el discurso de la paternidad muchas veces se desvía entre estereotipos o ausencias, conviene detenerse en lo esencial: ¿qué significa realmente ser padre? Tres testimonios lo responden, desde lo cotidiano.
Damián Ode, empresario y actor, lo tiene claro: “Los padres somos los maestros para la formación de nuestros cachorros”. Lo dice con la experiencia de quien creció en una casa donde bastaba una llamada del padre para reunir a toda la familia. Hoy, repite ese gesto con su propio hijo, con quien comparte no solo afecto, sino también enseñanzas sobre el trabajo y el valor del estudio. ¿Su plan ideal para este domingo? Una celebración con sabor a música criolla en alguno de sus restaurantes.
Gianni Dasso, empresario de bares y discotecas, cambia las luces del local por las del mar cuando se trata de sus hijos. “Hacer deporte y escuchar música juntos. Irnos a correr olas a Cerro Azul todo el día”, cuenta. Lo enorgullecen no solo por sus habilidades, sino por ser “considerados y alegres”. En su día, planea compartir una mesa con carnes, pastas y esa playlist familiar que siempre los acompaña.
Y está Omar Chehade, político y ferviente hincha crema. Aprendió de su padre la honestidad y el amor por la unidad familiar. Su rutina la forman tres pilares: la lectura, el cine y el fútbol, casi siempre acompañado de su hijo Yasser. “Somos uno para el otro”, confiesa. Este domingo, como debe ser, lo celebrará junto a él, almorzando comida árabe, su favorita.
Estos padres no se olvidan de lo fundamental: estar presentes. Aunque el mundo no se detenga, ellos sí lo hacen, al menos por un rato, para ser simplemente papás. En sus respuestas no hay poses ni discursos grandilocuentes, sino una verdad simple y luminosa: que el tiempo compartido vale más que cualquier título. Porque si algo queda claro al escucharlos, es que ser padre no es solo una responsabilidad. También es un privilegio.
La casa del abuelo está llena de antigüedades, pero Cristina Benavides parece sacada del futuro. Con su figura esbelta y su presencia impecable, camina entre teléfonos con dial, posters de cine, sillones de época y revistas antiguas como si fueran parte natural del videoclip que está por rodar. Se acomoda el cabello a un lado y habla, con elegancia y claridad, sobre su primer sencillo: Maldita Suerte.
Publicado a fines de mayo, el tema tiene la intención de ser el inicio formal de su carrera como solista. “Siempre quise un proyecto propio, con mi sonido, mi visión”, dice. Su voz, que ya se había escuchado en musicales y en la banda de rock alternativo Era Miscela, ahora busca otra textura. Junto al productor Paul Saenz y con el acompañamiento vocal de Ciané Siverio, Cristina ha esculpido un pop flotante, con tintes R&B y estética retro-futurista.
“A veces una relación parece prometedora, pero simplemente no llega a madurar”, explica sobre el significado de la canción. En el videoclip, grabado con un equipo mínimo, aparece una pastilla simbólica que activa un viaje emocional sin caer en el melodrama. “No quería mostrar tristeza, sino esas emociones que provoca el amor”. La referencia visual es clara, pero nunca obvia: posters masculinos que observan sin actuar, una escalera que sube hacia el desencanto y el humor que disuelve lo agrio.
Benavides no busca la fama, sino la expresión. “Es como hacer una obra de teatro, pero ahora la escena es sonora y visual”, afirma. El pop, en esta expresión, es un vestuario que se adapta a cada emoción. En su rutina semanal hay clases de canto, baile, sesiones de inspiración cinematográfica y el placer de imaginar videoclips como quien diseña mundos. “Me inspira el color, el movimiento, el ritmo… quiero que el show tenga narrativa, que no sea solo música tras música”, cuenta.
Planea sacar más canciones, pero de momento adelanta que el próximo lanzamiento estará cargado de disco, funk y soul, siempre con una base visual fuerte. Por ahora no hay un show completo anunciado, pero se perfila una presentación hacia fin de año. “No quiero salir al escenario solo por salir. Quiero montar algo que diga algo”. Lo que dice Maldita Suerte, en su tono elegante pero directo, es que Cristina Benavides ha llegado para construir su propio escenario, uno donde el amor duele un poco, pero con estilo. (Marce Rosales)
A los 23 años, Vincenzo Ascoli ha heredado más que un nombre ilustre en la gastronomía italiana en Lima. Hijo del fundador del mítico San Ceferino, hoy lidera un restaurante que lleva su nombre y que ha ganado fama propia por su pasta artesanal, la cocina alla ruota y un equilibrio refinado entre tradición y riesgo.
Hay herencias que se asumen y otras que se reinventan. Vincenzo Ascoli —joven, estudioso, y con paladar riguroso— se mueve en esa delgada frontera. Hijo de Luigi Ascoli, fundador del clásico restaurante San Ceferino, Vincenzo no fue el típico niño entre ollas y comandas. Su padre, celoso de la exigencia del oficio, no quería que se dedicara a la restauración. Pero la muerte de Luigi abrió un nuevo capítulo.
Desde los 20 años, y ahora con 23, Vincenzo encabeza un restaurante que es ya una referencia para los amantes de la cocina italiana en Lima. Con pastas hechas en casa, una carta estructurada y refinada, y un menú que combina técnica e identidad, ha construido una experiencia que empieza desde la bienvenida y culmina en el tiramisú. Él mismo recibe a los comensales, supervisa el servicio y conversa sobre la carta como quien desmenuza una sinfonía.
Formado en administración, Vincenzo aprendió sobre la marcha. Y se tomó la tarea en serio. Viajó a Italia para probar, comparar y absorber. “Quería tener el conocimiento en el paladar. Saber qué es una verdadera carbonara, un risotto milanés o una pasta alla ruota. Y luego pensar cómo trasladar eso al gusto peruano, sin bastardear la receta”.
En su carta conviven platos tradicionales con creaciones que respetan la matriz italiana pero dialogan con el paladar limeño. Ravioles de osobuco, rellenos de entraña americana, agnolotti de provola y hongos porcini. Una polenta con rabo a la boloñesa, carpaccios en emulsión de anchoas, pastas marinas como los spaghetti alle vongole o ravioles rellenos de salmón y pulpa de cangrejo. Todo ello acompañado por un 50% de vinos italianos provenientes de hasta 17 regiones distintas del país.
“Yo no hago cocina de fusión”, aclara. “Lo que hacemos es adaptar conceptos dentro de una estructura coherente. No queremos ser una trattoria ni una hostería. Este es un restaurante italiano, pero con libertad creativa”.
Uno de los sellos de la casa es la pasta alla ruota, preparada al instante sobre una rueda de queso fundido. Vincenzo ha probado múltiples versiones en Italia y ha desarrollado su propia técnica junto a su chef, Josué de la Mata, combinando ingredientes como brandy, grappa o incluso vodka para diferentes efectos. “Es una experiencia que mezcla show, técnica y sabor”, resume.
Esa misma línea guía su coctelería: una carta amplia que rescata los grandes clásicos (Negroni, Old Fashioned, Spritz) y suma propuestas con licores italianos poco conocidos en Perú, como el Select o el amaro siciliano. “El spritz no es una moda, es una forma de beber”, dice. Lo mismo aplica al vino: Chiantis, Brunellos, vinos del Lazio y Barolos acompañan una carta donde el maridaje es parte del diseño del plato.
Más allá de la técnica, Vincenzo tiene un atributo que no se enseña: la vocación hospitalaria. Recorre las mesas, conversa con los clientes, escucha los comentarios. Sabe que el detalle importa. Y lo cultiva.
“La materia prima lo es todo”, repite. Trabaja con proveedores que le garantizan consistencia. Usa aceite de oliva italiano, harina y sémola importadas, albahaca fresca y parmesano auténtico. “No puedo trabajar con un tomate cualquiera. Ni con una mozzarella cualquiera. Cada plato empieza con el insumo”.
Y si algo tiene claro, es que el peruano responde a ciertos códigos: el nombre “fetuchini” vende más que cualquier otro formato de pasta, y los ravioles siguen siendo los reyes del plato fuerte. “Hay palabras que tienen peso propio. El cliente lo siente”, afirma.
En tiempos de cocina fácil y conceptos vacíos, lo de Vincenzo Ascoli destaca porque tiene alma. Es italiano sin cliché, técnico sin pedantería, joven sin improvisar. El local que lleva su nombre no es solo una apuesta culinaria: es una declaración de principios. Heredó un apellido, sí. Pero ha hecho de él una marca con carácter.
La tarde gris de Lima transcurre con sumo silencio en el nuevo atelier de Elida Lyreé Morillo. Aunque aún está en proceso de refacción, cada elemento del espacio —desde las máquinas de coser antiguas hasta los maniquíes que custodian vestidos a medio terminar— parece haber sido dispuesto por un director de arte obsesivo con los detalles y con gusto por lo vintage. No es casualidad: esta es Casa Morilo, el universo particular donde la diseñadora de 28 años ha decidido reescribir su historia profesional. El nombre fue adoptado para marcar un nuevo inicio en su carrera mientras hace un guiño a sus clientes que siempre pronunciaron mal su apellido.
La historia de Elida podría comenzar con aquella niña que devoraba “Say Yes to the Dress” en Discovery Home & Health, imitando los acentos del doblaje mientras observaba, hipnotizada, cómo las novias transformaban sus sueños en tul y satén.
Pero las biografías lineales son para otros. Por falta de oportunidades, abandonó la universidad a los 18 años para fundar un atelier, aprender el oficio “en la cancha” junto a modistas que se convirtieron en mentoras, y construir durante una década una marca que llegó al “top of mind” limeño cuando se pensaba en vestidos de fiesta.
El 2023 llegó como un terremoto personal y profesional. “Me tocó tomar decisiones con el corazón roto”, admite, refiriéndose al final de una relación de 11 años y la disolución de la sociedad empresarial que había construido. Tras esto, viajó por Europa, sanó en París, estudió becada en el Instituto Marangoni de Milán y Londres, y regresó con una visión cristalina de lo que quería construir.
Casa Morilo no es simplemente un nuevo nombre comercial; es una filosofía. “Aquí celebramos lo ‘locally made’ y ‘handmade'”, explica. Sus modistas —Feli y Gaby, las veteranas que la acompañan desde los inicios— se mueven por el taller como coreógrafas expertas. “Ellas fueron mis mentoras”, reconoce Elida. “Me enseñaron que en las carreras creativas, la experiencia tiene tanto peso como cualquier título universitario”. Es una lección que aprendió temprano, cuando clientas escépticas cuestionaban si una “babyface de 18 años” podía confeccionar el vestido más importante de sus vidas.
La conversación se interrumpe cuando una de sus asistentes llega aterrada. Una novia entró en crisis luego de escuchar por videollamada un seco “está horrible” de su hermana sobre el vestido que estaba probándose. “Ese es nuestro desafío diario”, explica con mucha paciencia. “Trabajamos con el corazón, con las emociones más profundas de las personas”.
Sin embargo, no quiere la etiqueta de ser una simple diseñadora de novias. Su versatilidad se manifiesta en múltiples dimensiones: Sumaq London, su marca de abrigos de baby alpaca para el mercado británico; su programa de streaming “A Quién Le Importa” y su rol como docente en el programa Emprendemoda de la Universidad del Pacífico.
Su estilo personal refleja esta multiplicidad. Un día puede aparecer con lazos y estética romántica (“soy full pinky”, confiesa mostrando su outfit actual), al siguiente con look rockero que evoca a Avril Lavigne circa 2003. “No me puedo casar con un estilo”, explica. Sus fotos de Instagram confirman esta versatilidad: la Elida romántica convive con la rockera, la hippie, la femme fatale. Los lacitos —su marca registrada— aparecen como hilo conductor en cada transformación, pequeños detalles que funcionan como firma personal.
“La moda comunica sin que hables”, reflexiona mientras observa los vestidos que tiene colgados. “Es parte de tu identidad y te ayuda a proyectar quién eres”. La metamorfosis continúa con una evolución que nunca pierde su melodía central. Ante cualquier quiebre, una sutura es un buen inicio para sanar y empezar de nuevo. . (Marce Rosales)
Simón Fernando Yriberry (nombre real de Moncho Berry) carga su ukelele en la mano y da vueltas por la habitación. De momentos le da sorbos a un vaso de latte. La primera escena transcurre en su estudio: “El Totoral”, un espacio que antes fue taller de su abuela pintora. Allí, mientras desenreda cables, explica por qué ser músico en Perú es una declaración de fe.
La Lógica del Ser es el nombre de su próximo disco, el cuarto de su carrera, y también podría ser el lema de su vida. A sus 26 años, este egresado de Berklee College of Music en voz, composición e ingeniería de sonido, ha pasado de ser el “Monchito” de casa (heredero del apodo de su padre) a convertirse en productor, multiinstrumentista y gurú artesanal del sonido latinoamericano. Desde un ukulele hasta un sintetizador, Moncho Berry puede aprovechar toda materia prima para el groove.
No siempre fue así. En sus inicios, su música era introspectiva, casi confesional. Discos como Critic to the Young Kind (2016) o Degenerado (2022) tenían la estructura de un diario personal cantado. Pero algo cambió. “Me cansé de la profundidad innecesaria”, confiesa. La decisión no fue un desdén por el contenido emocional, sino una búsqueda de lo corporal con canciones que se bailen, que se sientan. En simple: música con movimiento.
Moncho dice que entiende la producción como un servicio. “Un productor no solo graba micrófonos. Es alguien que contiene, que acompaña. Hay que leer bien el cuarto”, comenta. Esa filosofía se formó en Berklee, donde su carrera de ingeniería lo obligó a convertirse en un comodín humano: ingeniero para otros, arreglista para todos, amigo para quien lo necesite.
El disco que está por lanzar se gestó entre Manhattan y “El Totoral”. La Lógica del Ser fue producido junto a Julián Picado, un compañero de ruta que comparte su devoción por Charly García. El disco es, en palabras del propio Moncho, un homenaje sensorial al funk, al disco, al synth-pop y al rock argentino. Todo esto pasado por el filtro de alguien que no tiene miedo a los cambios, ni a los géneros, ni a los rótulos.
“No puedes definir a Moncho Berry como ‘el del rock’ o ‘el que toca cumbia’. No hay una etiqueta clara y eso me gusta”, dice. Esa elasticidad también se traduce en su plan maestro para tocar en festivales internacionales. Tiene nombres anotados como si fueran destinos de peregrinación: Estéreo Picnic, Coachella, Lollapalooza. Y aunque valora el circuito local, su mirada está puesta en la región latinoamericana: Colombia, Argentina, México. “Allá he sentido una conexión genuina con el público”, asegura.
Volver al Perú fue una decisión inusual para alguien con posibilidades reales de establecerse en Nueva York. Pero Moncho no quiso ser un peruano más en el extranjero. Su apuesta es dejar un legado desde este lado del mundo, aun cuando eso implique trabajar en una microindustria donde la infraestructura musical es precaria y el arte sigue sin ser prioridad nacional. “Yo creo en la música de aquí. Siempre la ha habido, sólo falta creer más”, insiste.
Su próximo concierto es el viernes 13 de junio en La Noche de Barranco. Lo acompañarán artistas invitados y, seguramente, un setlist que combine lo viejo, lo nuevo y lo que vendrá. “Este disco no tiene canciones tristes”, advierte con una sonrisa. No porque haya dejado de sentir, sino porque ha aprendido que el cuerpo también necesita su protagonismo. Y la coherencia, a veces, se construye bailando. (M.R.)
Marisol Aguirre conversa mientras el equipo técnico se desplaza cargando la utilería para tener todo listo para el ensayo. Serena, con un temple ganado a punta de escenarios, ensaya las líneas de Esposada, su próximo estreno. La obra, que coprotagoniza con Víctor Prada, retrata una relación abusiva donde se entrecruzan la violencia de género y la corrupción política. “Es un reto emocional y actoral. Estoy haciendo cosas que nunca había hecho sobre el escenario”, confiesa.
No es una exageración. Esposada es una obra de solo dos personajes. No hay pausas posibles ni descanso dramático: todo se sostiene sobre el pulso de los actores. Aguirre lo sabe y lo asume con la seriedad del caso. Lejos de la ligereza de otras obras suyas, esta puesta la ha obligado a sumergirse en textos densos, escenas tensas y una temática dolorosamente vigente. “Creo que va a tocar fibras en muchas mujeres. Ojalá también en muchos políticos”, dice.
El personaje que interpreta está atrapado en un hogar violento, pero el mensaje final es uno de resistencia. Aguirre lo subraya: Esposada es una obra que puede ser detonante para que muchas espectadoras vean una salida posible. Luego de su estreno en Lima, la obra hará una gira nacional. “Si esto puede dar aliento o fuerza para que alguien rompa el silencio, ya valió la pena”.
El montaje no solo exige emocionalmente: también físicamente. Marisol está en rehabilitación por una lesión de menisco y ligamentos, pero ni eso la ha detenido. Ensaya, actúa y se mueve por el escenario, demostrando su compromiso con la obra. “No podía faltar. Esta obra significa mucho para mí y también para muchas personas”. Aunque no pudo asistir a la reciente marcha contra la modificación de la ‘Ley del Artista’, se siente parte activa del reclamo por las regalías: “Eso no es un regalo, es un derecho”.
Aguirre no ha dejado nunca los escenarios, pero ha aprendido a mantenerse a un lado del reflector. Atrás quedó su etapa más mediática, marcada por el fenómeno televisivo de Gorrión y una vida matrimonial, y personal, convertida en folletín de portada. Hoy prefiere otro lugar: menos expuesta, más dueña de su narrativa. “Me fui alejando poco a poco. No dejé de trabajar, pero sí de estar en vitrina”, dice. Es, como ella misma lo describe, una elección madura.
Mientras habla de su presente actoral, también se ilumina al hablar de sus hijos. Stefano es actor y músico; Gia, quien fue nuestra portada en la edición 2721, estudia negocios de la moda en Londres y también se dedica a modelar; Taira se inclina por la psicología forense. “Lo que más me gusta es que cada uno eligió su camino sin presiones. Yo solo acompaño”. Su rostro cambia al recordar a Gia en portada de la revista. “Es bella por fuera, pero también muy profunda. Me encanta verla brillar”.
En redes, Aguirre mantiene una presencia ligera. Prefiere Instagram para compartir lo justo. TikTok lo usa a veces para reírse de sí misma. Facebook ya no. “Siento que es de señoras mayores… más mayores que yo”, bromea. Sabe que el mundo digital es veloz y despiadado. “Al comienzo me chocaban los comentarios. Con los años uno se curte”. Es consciente de que las redes pueden ser trampolín o campo minado. Por eso las maneja con distancia, con mesura, actitud que compartió a sus hijos. “Uno aprende a protegerse, a compartir solo lo que uno quiere”.
Sobre su carrera, recuerda con afecto y humor la etapa Gorrión, pero se distancia. “Fue mi primer protagónico. Di todo lo que podía con lo que sabía entonces. Hoy soy otra actriz, mucho más experimentada”. Con todo esto, era inevitable preguntarle sobre su relación actual con Christian Meier, a quien conoció durante el rodaje de esa telenovela para luego casarse y años después protagonizar numerosos titulares en torno a su separación. Sin embargo, no le interesa revolver en su pasado sentimental. “Tengo más años sin él que con él. No es parte de mi vida actual”. No hay resentimiento en sus palabras, sino una claridad que viene de haber elegido la paz. La prensa, admite, puede ser despiadada. Lo vivió en carne propia cuando su vida privada se convirtió en argumento de telenovela nacional. Hoy, elige lo contrario. Elige silencio. Elige calma.
Sigue haciendo obras, series, realities. Ganó junto a su hermana Celine El Gran Chef el año pasado y prepara una nueva temporada de la obra Grandiosas. Está en movimiento constante. Pero ahora elige. Habla cuando hay algo que decir. Trabaja cuando hay un proyecto que la entusiasma. Y nunca ha dejado de reír. “Sigo teniendo mi loco calato adentro. Me burlo, salto, grito si quiero. Esa niña la mantengo viva hasta que me muera”. (Marce Rosales).
En Hilos de Aire, Isa Luna convierte el dolor en obra. Inspirada en un accidente que sufrió su hija Ananda, la artista presenta por primera vez una colección de gran formato donde la fragilidad y la sanación se encuentran en un mismo cuerpo escultórico. Las piezas, elaboradas en resina de mármol mediante la técnica de retablería cusqueña, recorren un imaginario onírico lleno de alas, constelaciones y grietas doradas.
“En las obras podemos ver el viaje de Ananda, desde la inocencia, la caída, el milagro de no morir que se representa en las alas, para terminar con dos trabajos que reflejan la madurez y la aceptación, además de la sanación. Esta es la primera vez que creo toda una colección de piezas inspiradas en algo tan personal”, explica Luna. El proceso tomó meses e involucró a diseñadores 3D y artesanos de distintas partes del mundo.
El resultado es |una serie de obras que oscilan entre la tradición y lo contemporáneo. “La idea es llevar la artesanía cusqueña a otro nivel”. La exposición podrá visitarse del 13 de junio al 6 de julio en la galería Índigo. La entrada es libre.
Av. Guardia Civil 1321, Oficina 1802, Surquillo, Lima – Perú
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